Comentario de “Los crímenes de la calle Morgue” de Edgar Allan Poe

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Edgar Allan Poe fue un cuentista, poeta y ensayista estadounidense nacido en Boston en el año de 1809. Huérfano a temprana edad, el autor fue criado por un hombre de negocios llamado John Allan. De 1815 a 1820 vivió con su familia adoptiva en Reino Unido. En su regreso a Estados Unidos, Poe asistió por un tiempo a la Universidad de Virginia hasta 1827, cuando sus adicciones hicieron que lo expulsaran. En Boston comienza a publicar sus poemas, se alista al ejército y trabajaba para su padre adoptivo. Después de fracasar en estas últimas dos empresas, se muda a Baltimore donde continuó publicando su obra crítica, su prosa y verso. Contrajo matrimonio con su prima Virginia Clemm, quien se encontraba enferma la mayor parte de la duración del matrimonio, empeorando las adicciones de Poe hasta que en 1849, el autor fallecería de un ataque cerebral después de ser encontrado en las calles de Baltimore. Actualmente, es considerado uno de los mejores cuentistas ya que sus aportaciones teóricas enriquecen al género breve. Además, se le considera uno de los mejores cuentistas del género de terror y se le atribuye la creación del género policiaco con “Los crímenes de la calle Morgue”.

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Resumen de La pintura de Manet de Michel Foucault

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La pintura de Manet es un libro del año 2004 que ofrece una transcripción del análisis de Michel Foucault a una selección de pinturas de Édouard Manet, un pintor francés, perteneciente a la corriente impresionista. La transcripción corresponde a una conferencia pronunciada en 1971 por parte de Foucault. 

Michel Foucault fue un filósofo, psicólogo y escritor francés cuya importancia es indiscutible para el Occidente, durante su periodo activo en el siglo XX. Su obra continua siendo relevante en la actualidad en diversos ámbitos académicos. Por otro lado, Édouard Manet fue un pintor francés, quien, como nos indica Foucault, alteró los principios de la pintura en Occidente permitiendo el desarrollo de nuevos movimientos artísticos, como el impresionismo o el género abstracto del periodo contemporáneo. En La pintura de Manet se nos explica cómo el pintor impresionista logró esto en base al tratamiento de las propiedades o límites materiales del espacio sobre en que se pinta o también llamado lienzo. Esta nueva técnica se oponía a la tradición occidental que se mantenía firme desde su nacimiento en el siglo XV. A continuación se realizará un comentario sobre la estructura y el contenido del libro aquí tratado, a manera de comprender mejor la relevancia de Manet para el arte de la actualidad y la comprensión de técnicas desarrolladas como reacción contra los valores tradicionales. 

La estructura del libro nos permite acercarnos al tema comenzando con el tratamiento del espacio del lienzo (la tela, la superficie, la altura y anchura), lo cual se impone a los valores tradicionales en los que el pintor intentaba hacer que los espectadores rechazaran la idea de que la pintura está encuadrada en un espacio limitado. En segundo lugar, se trata el problema de la iluminación: tradicionalmente la luz se encontraba dentro del cuadro representado, con Manet esto cambia, haciendo que la luz provenga del exterior del cuadro, haciendo uso de la luz real. Finalmente, es tratada la posición del espectador con respecto al cuadro. Anteriormente, se posiciona al espectador de una manera idealista frente al cuadro. En la pintura Un bar del Folies-Bergére de Manet, Foucault encuentra que esta posición ideal es reemplazada por una distorsión en la óptica del espectador resultando en un tipo de pintura no representativa. Es así que se nos presenta el contenido de esta conferencia.

Un bar del Folies-Bergére de Manet

Ahora bien, Foucault analiza las pinturas Música en las tullerías, Baile de máscaras en la ópera, La ejecución de Maximiliano, El puerto de Burdeos, Argentuil, En el invernadero, Camarera con jarras y El ferrocarril o La estación de Saint-Lazare para presentar ciertas técnicas que utiliza Manet con respecto al tratamiento del espacio físico del lienzo. Para tratar la iluminación, el autor nos presenta El pífano, El almuerzo campestre, Olimpia y El balcón. Para finalizar, como ya se mencionó, Un bar de Folies-Bérgere es la pintura en la que se observa el juego con la perspectiva del espectador frente al cuadro.

A continuación se mostrará una lista de conclusiones obtenidas del libro de Foucault:

• Existe siempre una posible organización con respecto a los ejes horizontales y verticales que ofrece el lienzo. Al utilizar estos ejes, se nos demuestra que se pueden utilizar los materiales físicos del cuadro para dar o reforzar un mensaje.

En el invernadero de Manet

• La profundidad, aunque era parte de la tradición darle cierta importancia en las pinturas, con Manet desaparece. El espacio se obstruye para dar paso a ciertos juegos intelectuales como el “efecto tapiz”, “efecto de relieve” o reproducir los ejes verticales y horizontales o, incluso, reproducir el propio lienzo. Asimismo, hace uso de técnicas arcaicas que nos ofrecen no un reconocimiento perceptivo, sino intelectual, es decir, preferencia de lo simbólico sobre la representación mimética.
• Los personajes, sus gestos, miradas y las posiciones de sus cuerpos forman parte de la composición del cuadro y en relación con las propiedades del lienzo, logran conformar el mensaje del pintor. De esta manera, Manet revela al espectador el envés y revés del lienzo. Con esto inicia un juego de la invisibilidad en el cual las miradas de los personajes nos revelan algo que no existe.
• En los cuadros de Manet existen dos sistemas de iluminación yuxtapuestos: la luz interior que corresponde con la tradición clásica, y la luz exterior que por lo general es una luz frontal y perpendicular que se impacta sobre los personajes. Se podría incluir aquí que la mirada del espectador es generadora de luz.
• Entra en consideración la iluminación de los elementos arquitectónicos que con Monet resaltan de manera colorida, mientras que los personajes visten blanco o negro. Esto hace pensar en el claroscuro, sin embargo, se nos advierte que la luz y la sombra o oscuridad no se mezclan en absoluto.
• Caso contrario a Las meninas de Velásquez, en Un bar de Folies-Bérgere se observa el recurso del personaje reflejado en un espejo, pero existe una distorsión entre lo representado y el reflejo. Hay una presencia ausencia y las miradas ascendentes no concuerdas con las descendentes reflejadas. El cuadro es un ejemplo de pintura no representativa, además de que permite que exista una relación dinámica entre la pintura y el espectador.

 Las meninas de Velásquez

Aunque el análisis del autor a cada cuadro resulta relevante para su argumentación, me parece que ciertos puntos eran mencionados en múltiples ocasiones, por lo que se organizaron los conocimientos más relevantes que se pudieron rescatar de las observaciones de Foucault y que me parecen significativos para el estudiante que quiera realizar estudios de este tipo, es decir, análisis de la composición pictórica y de las técnicas que, así como el tema, suelen tener un mensaje propio, quizá más relevante que el tema o que mantienen una relación con este para conformar y reforzar el mensaje del pintor. Este libro nos revela verdaderamente la astucia y creatividad de los realizadores visuales en cuanto a la composición, renovando las técnicas tradicionales ya sea para enviar un mensaje narrativo o un mensaje en contra de la tradición, conformando quizá una metapintura, que invita a la renovación del objeto artístico para beneficio del arte y los espectadores, quienes deben ser recordados de la importancia de ser observadores analíticos, tal y como Brecht lo hace con su teatro o Cervantes lo hace con su Quijote al criticar las narraciones tradicionales de su nación.

Bibliografía

Foucault, Michel. (2004). La pintura de Manet. Barcelona: Ed. Alpha Decay. Trad. Rosser Villagrassa.

Muerte en Venecia (comentario)

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“Muerte en Venecia”  nos muestra una serie de acontecimientos que llevan al protagonista a su muerte debido a una epidemia de cólera asiática en Venecia y al desamor de un bello joven sueco.  Gustav es un músico reconocido que piensa que la belleza radica en lo espiritual y que recae en la dignidad y sabiduría del alma. En la Edad Media, Alberto Magno señalaba que la belleza no sólo es corpórea, sino esencial. Sin embargo, Alfred, un compañero con pensamiento opuesto al de Gustav, le enseña una belleza de los sentidos y la razón, que recae sobre el talento del artista, bases de la “Gran Teoría de la estética europea”: la objetividad y perfección que se veía en los números, en el orden y las proporciones.  El protagonista de la película, es una persona solitaria, terca, amargada, un poco vieja, miedosa, fría pero imaginativa y altamente sensible. Cuando se encuentra ante la belleza de Tadzio, un joven en vacaciones  junto con su  pudiente familia, el músico se da cuenta de que ésta es la gracia que ha buscado durante toda su vida o al menos  desde que perdió a su pequeña hija. Aquí, entra la concepción de Platón sobre el importante valor de la percepción de la belleza en la vida del hombre para darle sentido. La belleza de Tadzio, los sofistas de Atenas la distinguieron como “lo que es agradable a la vista”. Los estoicos: “lo que posee proporción apropiada”. Gustav decide enfrentar sus inseguridades, reinventarse, para acercarse a esta belleza que va en contra de sus ideales. Una belleza inalcanzable, atractiva, sutil en cada sonrisa que le daba a Gustav. Como ya mencioné, Tadzio representa una belleza en sentido estético, la atracción de lo que Gustav buscaba irracionalmente: la juventud. En el inicio de la película se menciona algo que llama mucho la atención: “la belleza precede al artista”. Lo relaciono, nuevamente, con la “Gran Teoría”. La belleza, si no pertenece a lo subjetivo, entonces va más allá de nuestros intentos y creatividad humana, para hallarse solamente en lo natural, las proporciones, etc… y el artista  sólo puede recurrir a la mímesis para acercarse a la verdadera belleza.

"Cartucho" de Nellie Campobello (comentario)

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El método utilizado en la narración de Campobello me recuerda a un árbol. En las raíces encontramos a la narradora y a su madre. Su madre es astuta y rápida. Sabe a quién apoyar y, fácilmente, a quien no. Sigue su instinto y es simpatizante de los hombres buenos y los heridos. La narradora es una niña. Esto resalta las gravedades de la Revolución y denuncia crueldad. Ambas plantadas en un campo de batalla: Parral, Chihuahua en plena Revolución mexicana. Con la calle Segunda del Rayo como un personaje más desde donde se presenciaba la Revolución. De ellas dos como testigos, salen ramas, es decir, cada relato que encarna a los personajes revolucionarios. Existe un contraste en las relaciones de la niña con los hombres que crea una imagen mental llena de simbolismos. Cada uno con un final desagradable, pero también un lado humano. Aquí, el lector se posiciona sin postura alguna. Me refiero a que debido a la juventud e inocencia de esta narradora, no se tiene una postura política o juiciosa permitiendo ver la Revolución de una manera única. A veces esto se torna un poco brutal pero no imposible en la Revolución. Escribir en este ambiente da credibilidad a sucesos inverosímiles en la ficción de Campobello. Así también, debo remarcar que el uso de elipsis entre cada relato muestra la creatividad y dominio de la autora al ser variados y centrados; además de que ninguno deja afuera ese sentimiento de testigo. Se mostraba la atracción hacia los hombres por parte de la narradora llamándolos amigos con los que se encariña y luego, los ve morir. Cada rama está conectada al son de Villa. Un tema al que se recurre son las causas por las cuales estos hombres se vuelven soldados villistas. Varios de ellos le dan la razón a una mujer. Este tema de la mujer del revolucionario es tocado también en Los de Abajo de Mariano Azuela. Por otro lado, considero que un intento de escribir Cartucho desde la perspectiva masculina no hubiera tenido la misma notabilidad o valor significativo que tiene ahora. Creo que el relato que más llama mi atención es el de “Nacha Ceniceros” en este se ve un poco el sentido feminista de la obra. En “Fusilados” encuentro algo muy curioso en los balazos que describe Campobello en el cuerpo de los fusilados ya que crean un eco en el lector. Se imagina al muerto casi automáticamente, una imagen sin la necesidad de ser narrada y que habla por sí sola. Finalmente, esta obra me deja con una simpatía por los hombres y mujeres que pelearon por sus derechos y que murieron en la Revolución. Me hace preguntarme si realmente tanta muerte y sufrimiento valió la pena.